Y ahí aparece una sensación rara, como si la creatividad se volviera más difícil de sostener. No porque falten ideas necesariamente, sino porque todo parece demasiado urgente, demasiado inmediato. Con tanta información encima no me sorprende que muchas personas sientan su creatividad sofocada, o peor aún, que empiecen a preguntarse si crear realmente vale la pena. Para qué escribir un libro si quizás nadie lo leerá, para qué leer filosofía o escribir poesía o hacer películas cuando parece haber tantas otras cosas urgentes ocurriendo.

Creo que muchas de esas dudas nacen de una idea bastante extendida, la idea de que el arte y la cultura son actividades que ocurren cuando ya resolvimos todo lo demás, como si crear fuera una especie de lujo, algo que se hace cuando sobra tiempo o cuando la realidad deja de ser tan demandante. Pero si uno mira la historia con un poco más de atención se da cuenta de que nunca ha existido ese momento perfecto. El mundo siempre ha sido complejo, siempre ha habido conflictos, crisis, incertidumbre.

Vivir siempre ha sido, de alguna forma, vivir al borde de un precipicio, y aun así seguimos creando. Seguimos escribiendo, componiendo, pintando, pensando. A lo largo de la historia la humanidad ha seguido produciendo cultura incluso en los momentos más oscuros. Personas escribiendo poesía durante invasiones, presos políticos discutiendo filosofía desde la cárcel, artistas encontrando belleza en medio de contextos brutales. Ese impulso de ordenar el mundo, de encontrar sentido, de intentar hacerlo un poco más habitable aunque sea por un momento, es profundamente humano.

Hay una idea que siempre me vuelve cuando pienso en esto, que la cultura no aparece cuando todo está bien, aparece porque necesitamos darle sentido a lo que vivimos. Pues tal vez crear no siempre es una respuesta elegante ni heroica, a veces es simplemente una forma de ordenar el caos interno, una forma de tomar algo que se siente abrumador y transformarlo en lenguaje, en imagen, en sonido.

Hace poco volví a leer un pequeño libro del gran Austin Kleon llamado Keep Going, que es básicamente un manual de supervivencia creativa para tiempos difíciles. Una de las primeras cosas que plantea es algo muy simple, la trayectoria del trabajo creativo nunca es lineal, no existe esa trayectoria limpia donde todo mejora de forma constante. Crear es cíclico. Empiezas algo, lo terminas, vuelves a empezar, cambias de dirección, te pierdes un poco, encuentras algo nuevo y cuando entendemos eso dejamos de medir nuestra creatividad solo en términos de productividad (y es algo que me ha costado entender).

Pues en lugar de preguntarnos cuánto producimos, empezamos a preguntarnos cómo sostener una práctica en el tiempo. Y ahí entran cosas bastante concretas, establecer una rutina, encontrar un momento del día en el que tu mente funcione mejor, crear un pequeño espacio donde el trabajo pueda suceder incluso cuando todo lo demás se siente caótico.

Otra idea que me gusta mucho de Kleon tiene que ver con algo que él llama olvidarse del sustantivo y enfocarse en el verbo. Cuando usamos la palabra creativo como etiqueta o identidad terminamos pensando que el objetivo es parecer creativos, pero en realidad el trabajo creativo siempre está en las acciones, escribir, dibujar, fotografiar, diseñar, construir algo.

Así que cuando el enfoque vuelve al verbo, todo se vuelve un poco más liviano. Ya no se trata de construir una identidad ni de demostrar nada, se trata simplemente de hacer el trabajo y ahí aparece otra cosa que me parece clave, la atención. Muchas veces pensamos que para crear necesitamos experiencias extraordinarias, mudarnos, irnos a otro país, cambiar radicalmente nuestra vida. Pero quizás lo extraordinario no está en el cambio de escenario sino en la manera en que miramos lo que ya tenemos delante.

Prestar atención es una de las prácticas creativas más subestimadas que existen. Observar una calle, registrar una conversación, notar un detalle que normalmente pasaría desapercibido. Documentar lo que vemos, ya sea escribiendo, tomando fotos o simplemente guardando pequeñas notas.

Es curioso porque cuando empezamos a prestar atención con más cuidado el mundo se vuelve mucho más interesante de lo que parecía. Empiezan a aparecer conexiones, imágenes, ideas que antes estaban ahí pero que no habíamos visto, ¿les ha pasado? al final creo que crear en medio del caos no significa esperar a que el caos desaparezca, significa aceptar que el ruido siempre va a existir y aun así encontrar pequeños espacios donde nuestra atención pueda detenerse.

No podemos controlar la velocidad del mundo, pero sí podemos decidir dónde mirar y tan solo a veces esa decisión tan simple es el primer paso para volver a crear.

— Con cariño, Nath

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Y a veces no es algo tan claro, osea, no es que alguien te diga que no lo hagas, no es que exista una razón concreta para detenerte. Más bien es una conversación silenciosa que empieza a aparecer en tu cabeza, una especie de espera rara que uno mismo se impone, como si todavía faltara algo para empezar.

A veces pienso en esto y me pregunto si también te ha pasado. Si alguna vez te has encontrado guardando una idea durante demasiado tiempo, dándole vueltas, imaginando cómo debería verse, cómo debería sentirse, cómo debería sonar cuando finalmente exista. Y mientras más tiempo pasa, más perfecta se vuelve en tu cabeza, más clara o más grande incluso.

Y entonces aparece otra sensación, (jajaj que complejo) una especie de distancia entre la idea que imaginaste y lo que realmente podrías hacer ahora mismo.

Recuerdo que hace un tiempo leí algo que explicaba bastante bien esta sensación. Hablaba de algo que algunos llaman la brecha entre el gusto y el talento, y cuando lo leí me hizo demasiado sentido, porque muchas veces las personas empiezan a crear justamente porque tienen buen gusto, pues saben reconocer lo que les gusta, saben cuándo algo está bien hecho, saben imaginar cómo debería verse algo que consideran bueno.

Pero el problema aparece cuando empiezas a intentar hacerlo tú, porque tu gusto ya está desarrollado. Puedes ver referencias increíbles, trabajos que te inspiran, proyectos que te hacen pensar esto es buenísimo, pero tus habilidades todavía están en proceso, todavía están creciendo, todavía están tratando de alcanzar esa visión que tienes en la cabeza.

y ahí, justo ahí, es donde aparece esa distancia incómoda…

Sabes cómo debería verse algo, sabes cómo debería sentirse algo, pero cuando intentas hacerlo todavía no llega exactamente a ese lugar y esa diferencia puede ser frustrante, bastante más de lo que uno esperaba al inicio, entonces empiezan las dudas.

quizá todavía no estoy listo
quizá debería aprender un poco más
quizá debería esperar un poco más

Quizá, quizá, quiza… y así, sin darte cuenta, la espera empieza a volverse parte del proceso, pero lo curioso es que mientras más esperamos, algo raro pasa también con nuestras expectativas, seguimos viendo cosas increíbles en internet, seguimos descubriendo trabajos que nos inspiran, seguimos refinando nuestro gusto, nuestro ojo se vuelve cada vez más exigente y cada vez más preciso.

Mientras tanto, si no estamos practicando, nuestras habilidades se quedan más o menos en el mismo lugar, entonces la brecha no se reduce, a veces incluso se agranda (y me ha pasado). Ahí es cuando aparece otra pregunta que puede ser un poco incómoda, pues si la única manera de cerrar esa distancia es haciendo cosas… entonces qué pasa cuando decidimos no hacerlas todavía.

Porque muchos creadores hablan de algo bastante simple, la única forma real de acortar esa brecha es produciendo trabajo, haciendo cosas, muchas cosas. probando, equivocándote, ajustando, volviendo a intentar. La verdad que creo que no existe una forma teórica de mejorar en algo creativo, tienes que atravesar el proceso.

Pero incluso sabiendo eso, empezar sigue siendo difícil y creo que parte de esa dificultad tiene que ver con cómo tratamos nuestras ideas. A veces pensamos que nuestras ideas son demasiado importantes, como si fueran únicas, como si esa idea que tenemos fuera la única buena idea que vamos a tener en mucho tiempo… y entonces aparece el MIEDO.

¿y si no la ejecuto bien?
¿y si no sale como la imaginé?
¿y si alguien más lo hace mejor?

y mil preguntas más, claro está

Esa forma de pensar puede paralizar bastante, porque cuando una idea se vuelve demasiado valiosa en nuestra cabeza, empezamos a cargarla con expectativas enormes, queremos ejecutarla perfecto, queremos que salga exactamente como la imaginamos, y claro, mientras más perfecta se vuelve en nuestra cabeza… más difícil se siente empezar desde un punto imperfecto.

Entonces la pregunta vuelve a aparecer, ¿cuánto tiempo estamos dispuestos a esperar antes de empezar algo que ya sabemos que queremos hacer? Porque siempre va a faltar algo, más tiempo, más seguridad, más claridad, mejores herramientas. Siempre habrá una razón razonable para esperar un poco más.

Pero si algo he ido entendiendo poco a poco es que muchas de las personas que admiramos no empezaron cuando todo estaba listo, sino que empezaron cuando todavía estaban aprendiendo, cuando todavía estaban probando cosas, cuando todavía no tenían todas las respuestas y quizá esa es la parte menos visible de cualquier proceso creativo.

no el resultado final.
sino todos esos intentos imperfectos que ocurrieron antes.

— Con cariño, Nath

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Porque hemos romantizado demasiado la idea de crear. Hemos repetido que si tienes talento tienes que usarlo, que si sabes hacer algo distinto estás obligado a compartirlo, que guardarte lo que sabes hacer es casi un desperdicio. Como si la creatividad fuera un deber moral, como si no crear fuera fallarle a alguien.

Y creo que… no es así.

Tener talento no te obliga a nada, crear no es un mandato. Es una elección consciente que se hace una y otra vez, sabiendo lo que implica. Porque crear no es solo hacer algo bonito, es exponerte, es aceptar que alguien mire lo que hiciste y no lo entienda o peor, que lo entienda y aun así lo rechace.

Si a alguien le asusta tanto la crítica que se paraliza, si la sola idea de mostrar algo propio le genera más ansiedad que deseo, si cada intento termina en bloqueo, en culpa o en cansancio, tal vez el impulso de protegerse es más fuerte que el impulso de compartir, eso no es cobardía, eso también es una respuesta.

Pues, no todos los temperamentos están hechos para este camino, y no porque falte talento, sino porque el precio emocional no siempre es sostenible. La adversidad no es un accidente del proceso creativo, no es algo que pasa solo cuando tienes mala suerte, es parte del contrato, la duda constante, la comparación, el rechazo, el silencio, la sensación de estar siempre explicando algo que nadie pidió entender.

Y nadie te obliga a firmar ese contrato.

Nadie te ordena crear, tú no le debes tu obra al mundo. La creatividad es un privilegio, no una condena.

Sé de artistas brillantes perderse en sus propias inseguridades. Personas con una sensibilidad extrema, capaces de ver belleza o dolor donde otros no ven nada, pero incapaces de sostener el acto de crear en el tiempo. No por falta de disciplina, sino porque sentirlo todo tan fuerte agota. Porque cuando tu sensibilidad es alta, todo pesa más. La crítica duele más. El silencio se vuelve más ruidoso. La soledad se siente más profunda.

Y es esa misma sensibilidad que hace posible una obra poderosa también puede volver la vida más frágil, y cuando nadie a tu alrededor ve lo que tú ves, cuando explicarte se vuelve rutina, aparece el aislamiento. La sensación de no encajar. De estar siempre un poco fuera de lugar. Esa otredad que puede ser una bendición para la obra y una carga para la vida.

Por eso no todos los que tienen talento están hechos para sostener el acto de crear en el tiempo. Y eso no los hace menos valiosos, solo los hace honestos consigo mismos.

Crear no es demostrar nada, no es cumplir una promesa, no es pagar una deuda con el mundo. Es elegir, una y otra vez, exponerte sin garantías. Elegir volver a mostrarte sabiendo que puede no pasar nada o que puede doler.

Y si algún día decides no hacerlo, si decides guardar eso que sabes hacer solo para ti, si prefieres vivir sin convertir tu sensibilidad en espectáculo, también está bien.

Porque el arte no es para todos.
Y elegir no crear
también puede ser una forma de respeto.

— Con muchísimo cariño, Nathela.

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A veces me pregunto cómo se ve una vida creativa sana.
No una brillante, ni perfecta, ni productiva, solo una que se sostenga en el tiempo, sin quemarnos por dentro.
En los últimos años he conocido a muchos artistas, sean fotógrafos, escritores, músicos, diseñadores. Algunos muy jóvenes, otros con décadas de experiencia. ¿Saben qué es lo curioso? Que todos, de alguna manera, hemos aprendido a identificar nuestras banderas rojas (la autoexigencia, la inseguridad, la duda constante).

Pero muy pocos hablamos de las banderas verdes, esas pequeñas señales que nos muestran que estamos haciendo las cosas bien, aunque no lo parezca o no nos demos cuenta.

1. Escuchar más de lo que hablas

El ego grita, la curiosidad observa.
He notado que los artistas más interesantes no son los que más hablan de sí mismos, sino los que más preguntan.
Cuando alguien escucha de verdad, sin interrumpir, sin querer imponer su visión, su arte se expande. Porque empieza a contener otras voces.

Creo que hemos llegado a este punto de confundir autenticidad con individualismo. Creemos que “tener una voz propia” significa crear aislados, pero las ideas más ricas nacen del diálogo, de una conversación con otro creativo, de una crítica sincera, de una historia que no entendemos del todo.

Práctica:
Haz una conversación solo para escuchar, pregunta sin pensar en tu turno de respuesta. Sobre todo algo que te recomiendo → deja que el silencio sea parte de la escucha. Lo que aprendas ahí, inevitablemente, se colará en lo que creas.

2. Compartir lo inacabado

Hay una diferencia enorme entre lo que se publica y lo que realmente se hace.
Yo sé que todos tenemos carpetas llenas de proyectos a medio escribir, clips que no subimos, ideas que nunca salieron de nuestro bloc de notas en la madrugada. A veces decimos que no los mostramos porque “no están listos”, pero en el fondo es miedo, miedo a que nos juzguen por algo que no está perfecto.

Pero, la verdad es que ningún proceso creativo está “listo”. Siempre hay algo que podríamos mejorar. Pero cuando alguien se atreve a mostrarte su borrador, su ensayo, su audio mal editado, lo que te está mostrando no es solo arte, es confianza. Es una bandera verde.

Los artistas que publican versiones imperfectas entienden que lo esencial no es lucir bien, sino seguir probando. En tecnología lo llaman un “producto mínimo viable”; en el arte, yo lo llamo honestidad creativa.

Práctica:
Publica algo que todavía no entiendas del todo, sé experimental, un texto a medio camino, un boceto, una idea incompleta. No expliques demasiado. Deja que la gente vea el proceso, tú proceso.

3. Disfrutar el proceso, no el resultado

Todos decimos que “disfrutamos crear”, pero cuando algo no sale como imaginábamos, nos frustramos.
Y ahí está la contradicción: queremos libertad creativa, pero buscamos control.

Las personas que disfrutan el proceso no están obsesionadas con “cómo se ve” o “si gustará”. Están más interesadas en lo que aprenden mientras hacen.
Son las que pueden perderse tres horas editando una escena o mezclando colores, sin pensar en si eso será “útil” y ¡¡¡aaaahhhh!!! como me ha costado y todavía me cuesta, pero…

Yo misma lo aprendí después de caer varias veces. Publicaba solo para sentir que “seguía produciendo”. Hasta que un día decidí hacer una pieza que nadie vería, solo por el placer de probar algo nuevo y me di cuenta de que ahí, en esa libertad sin meta, recuperé mi voz, o al menos, en eso voy.

Práctica:
Haz algo sin intención de publicarlo. Puede ser un ejercicio, un collage, una historia sin estructura, que exista solo por existir, por ser y por estar.

4. Celebrar el arte ajeno

Hay algo profundamente luminoso en un artista que puede admirar sin compararse.
Créanme que cuando alguien celebra el trabajo de otro sin sentir que el suyo se reduce, está creando desde la abundancia, no desde la escasez.

Las banderas verdes también se ven en cómo reaccionamos ante el éxito de los demás.
¿Lo aplaudimos o lo resentimos? ¿esto nos inspira o nos frustra?

Siempre es bueno recordar que el arte no es una carrera, es una conversación que necesita más voces… y si una de esas voces brilla, la tuya no se apaga, se amplifica.

Práctica:
Comparte el trabajo de otro artista, sin pensar en reciprocidad, menciona lo que te conmovió, lo que aprendiste y sobre todo hazlo por el simple acto de agradecer que ese arte existe.

5. Aprender a descansar

Créanme cuando les digo que el descanso también es una forma de disciplina.
Siento que hay una idea romántica de que el verdadero artista “no para nunca”, que vive entre proyectos, desvelos y cafés fríos. Pero la mente agotada no crea, solo repite.

Descansar no significa rendirse, significa sostener el fuego.
Cuando aprendes a pausar, tus ideas tienen tiempo de decantar.
Dejas de producir y vuelves a percibir.

Lo he vivido.

Práctica:
Apaga las pantallas, da una caminata sin música, duerme más de lo que creas necesario y recuerda: la mente que descansa también imagina.

6. Permitir que el arte te cambie

Una de las señales más claras de madurez creativa es aceptar que tu arte no siempre confirmará lo que ya sabes. A veces lo que haces te contradice, te pone en duda, te desordena.

Una bandera verde es poder mirar una obra tuya y decir, “ya no soy la persona que la hizo”. De hecho, hace unos días me pasó eso, había tratado de hacer una especie de mezcla entre lo que antes me funcionaba y lo que ahora siento que soy. Y no encajaba del todo.

Pero entendí que eso también es una forma de avance, cuando tu obra ya no cabe en ti, significa que creciste, que el proceso te transformó.

Práctica:
Revisa algo antiguo que creaste… y no para editarlo, sino para observar cómo has cambiado desde entonces. Realmente, algo sanador es poder hacer las paces con tus versiones anteriores. Ellas también te trajeron hasta aquí.

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Recuerda esto:

Las banderas verdes o las famosas green flags no son trofeos.
No se acumulan ni se presumen.
Son hábitos, gestos, formas de sostener el oficio sin que te devore.

Ser un artista sostenible no es hacer más, sino hacer con sentido.
Es volver, una y otra vez, a ese lugar donde la curiosidad es más fuerte que el miedo.

Si alguna de estas banderas apareció en ti, aunque sea un poco, abrázala, significa que estás aprendiendo a crear sin romperte.

(Nota final: no busques perfección, busca permanencia, tqm, tú puedes!!)

— Con cariño, Nathela.

Porque creo que hoy, la vida se volvió un reality constante. Somos editores, guionistas y protagonistas de un programa personal que transmitimos cada día en redes sociales. Aunque ni lo notemos, cada cosa que compartimos pasa primero por un filtro interno. Pensamos en ¿qué dirán, se verá bien, y si hago el ridículo? Y ahí aparece el fantasma del cringe, como una sombra que nos frena justo antes de ser espontáneos.

Lo curioso es que lo que más tememos (el error, lo torpe, lo ridículo) suele ser lo más humano. Cuando alguien se muestra exagerado o incómodo, sí, puede darnos risa o vergüenza ajena, pero también nos recuerda que no somos máquinas perfectas, sino personas atravesadas por emociones, rarezas e inseguridades.

Y creo que todos lo conocemos. Ese instante en el que tienes algo para decir, algo para mostrar, y justo antes de publicarlo aparece esa voz que te dice: qué ridículo, qué cursi, a nadie le importa. Entonces lo borras o lo guardas para después o te convences de que no era tan importante.

A mí me pasó más veces de las que quisiera admitir.

Lo incómodo como puerta

¿Saben? Durante mucho tiempo pensé que la incomodidad era una señal de freno, como si la vergüenza significara “no lo hagas”. Hoy creo que lo incómodo puede ser una puerta.

He llegado a la premisa de que el cringe no es un final, es un inicio. Es la prueba de que lo que estás mostrando viene de un lugar verdadero, porque no hay creatividad sin tropiezos, sin frases que suenan cursis, sin gestos fuera de lugar. Y lo sabemos, porque las referencias que más nos marcaron no siempre fueron las más bellas o impecables, muchas veces fueron las que sacudieron algo dentro de nosotros, incluso si al inicio nos incomodaban.

Lo que incomoda tiene poder, porque nos despierta. Nos obliga a mirar. Nos conecta con algo vivo. Tal vez por eso, todos los creativos que hoy admiramos cargaron con la etiqueta de ridículos en su momento. Lo raro, lo exagerado, lo fuera de lugar fue parte del precio de dejar huella.

El archivo que nunca olvida

Uno de los grandes miedos de ahora es la permanencia. Antes dabas un paso en falso y quedaba en la memoria de unos pocos. Hoy cualquier error queda guardado para siempre. Un comentario desafortunado, una foto mal tomada, un video torpe. La idea de que internet nunca olvida es aterradora, lo sé.

Pero te digo algo que me costó aceptar, tu silencio tampoco se olvida. Ese proyecto que nunca mostraste, esa idea que escondiste, esa parte de ti que se quedó esperando el momento perfecto… todo eso también deja marca. Y esa marca pesa más que cualquier comentario en redes.

Yo lo entendí cuando empecé a darme cuenta de cuánto me dolía no haber mostrado cosas que amaba. No eran los errores lo que me perseguía, eran los silencios. Lo que nunca me animé a decir. Lo que guardé hasta que dejó de tener sentido.

Es verdad, tal vez, publicar es un riesgo, pero quedarte callado también lo es. Y a veces más alto. Porque no hay archivo más cruel que el de las cosas que nunca te atreviste a hacer.

El riesgo de mostrarse

Mostrarte tiene un precio, siempre. Puede doler. Puede que alguien se burle, que te juzguen, que te etiqueten de ridículo. Ese riesgo no se elimina, está ahí cada vez que compartes algo tuyo.

Pero también es cierto que ese riesgo es lo que lo hace real. Si todo lo que compartes está calculado para agradar, entonces no hay nada tuyo ahí. Solo hay una versión editada, pulida hasta perder el alma. Y esa versión puede gustar, puede pasar desapercibida, pero no deja huella.

Y como dije algunas líneas antes, creo que la mayoría de los creativos que hoy admiramos fueron señalados en su momento. Lo raro, lo incómodo, lo exagerado fue parte de su camino. Lo que hoy vemos como “genialidad” alguna vez fue ridículo para alguien más y aun así lo hicieron, aun así se mostraron.

Entonces, sí, mostrarte tiene un precio, pero también lo tiene esconderte. La diferencia es que el primero duele un rato y el segundo duele toda la vida.

Lo que queda

Al final, lo que más tememos no es dar cringe, sino descubrir que detrás de esa incomodidad está lo más verdadero de nosotros. Que lo que nos avergüenza es, quizá, lo que nos hace únicos.

Yo lo pienso así: si no arriesgas, no molestas. Y si no molestas, no dejas huella. Tal vez sea hora de reconciliarnos con el cringe y aceptarlo como parte del camino creativo.

Porque sí, dar cringe duele. Pero duele más quedarse callado, editarse de más, dejar que el miedo al ridículo apague lo que tenemos para decir.

Porque al final, lo incómodo también es parte del arte de ser tú. Y si ese es el precio, siempre valdrá la pena pagarlo

— Con cariño, Nathela.

Y así nos torturamos, nos frustramos, nos estresamos. Porque la vida no funciona como TikTok.

Y ojo, hasta TikTok lo sabe. Ahí es donde aparece el término doomscrolling. No sé si tú también te has topado con esos videos tipo “qué contenido consumí esta semana para evitar el doomscrolling”. Y me di cuenta de que en la plataforma conviven dos bandos muy claros. Está el bando de quienes alimentan el brainrot, esa dieta de videos vacíos que te mantienen enganchado pero no te dejan nada. Y está el otro bando, el que intenta escapar, el que te dice “consume mejor contenido, sé más consciente, no te dejes arrastrar”.

Pero al final, ambos viven dentro del mismo sistema, el de la gratificación inmediata. Y ahí está el problema. Porque mientras más acostumbramos nuestra mente a la inmediatez, más nos cuesta soportar la lentitud de la vida real.

Yo lo viví. Empezaba un proyecto con entusiasmo, con toda la energía, y cuando veía que no había resultados inmediatos, lo dejaba. Me pasaba con mis proyectos creativos también. Tenía una idea brillante, la empezaba con ilusión, pero si no explotaba como yo esperaba en un par de semanas, la soltaba. Y quedaba esa sensación horrible de fracaso, de “no sirvo para esto”. Cuando en realidad lo único que pasaba era que no entendía que lo importante siempre toma tiempo.

Expectativas irreales

Seguro te ha pasado. Empiezas algo con motivación, te llenas de planes, y en la semana tres te das cuenta de que no hay cambios. Te miras al espejo y tu cuerpo sigue igual. Subes contenido y casi nadie lo ve. Intentas con un proyecto y parece que no avanza. ¿Y qué haces? Lo abandonas.

Ese es el problema. Estamos llenos de expectativas irreales. Queremos que todo sea inmediato. Queremos que la vida sea un scroll.

Pero la vida no es un scroll.

Lo ves en todo. Compras un curso porque te prometen que en tres meses vas a ser libre financieramente, y al primer obstáculo piensas que no es para ti. Abres un canal para compartir tus ideas y, si no explota al segundo video, lo dejas morir. Decides aprender un idioma y después de dos semanas te frustras porque todavía no puedes tener una conversación fluida.

Vivimos engañados por esas promesas de velocidad, creyendo que lo valioso tiene que sentirse rápido. Y cuando la realidad nos muestra que no, que los procesos son lentos, nos derrumbamos.

Y aquí viene la verdad incómoda. No es que no seas capaz, no es que no tengas talento, no es que no sirvas. Es que tus expectativas están podridas. Porque te creíste la mentira de que la vida iba a moverse al ritmo de las redes sociales.

El poder del día a día

Aquí va la primera bofetada. Si no eres capaz de concentrarte en lo que tienes que hacer hoy, jamás vas a conseguir nada.

Quieres un proyecto grande, una idea que funcione, un cuerpo fuerte, una relación sana. Pero no puedes con lo más simple, cumplir con tu día de hoy.

Si hoy fuiste al gimnasio, ganaste. Si hoy escribiste un párrafo, ganaste. Si hoy pensaste y trabajaste en tu idea, ganaste. Mañana veremos.

Jerry Seinfeld lo decía con su regla de los dos días, no pueden pasar más de dos días sin que hagas lo que es importante para ti. Porque cuando pasan más de dos, recuperar el hábito se vuelve un infierno. Y es cierto.

A mí me pasó con mi proyecto. Dejé de grabar dos días. Después una semana. Después un mes. Y cuando intenté volver, era como empujar un camión atascado en el barro. Ahí entendí que la constancia no se negocia.

Priorizar de verdad

Déjame decirlo sin rodeos. Si dices que tienes seis prioridades, no tienes ninguna.

Yo lo viví. Quería llevar un diplomado de dirección creativa, empezar a grabar mi cortometraje, explorar nuevas técnicas creativas, hacer mi primera exposición de fotografía intervenida. Tenía demasiadas “cosas importantes”. El resultado fue que ninguna avanzaba al ritmo que necesitaba.

Ese es el veneno de los creativos también. Tenemos tantas ideas, tantas ganas, que intentamos hacerlas todas. Y al final, nos ahogamos.

Necesitas elegir, brutalmente elegir. Decir: esto sí, esto no. Y lo demás, aunque duela, soltarlo. Porque si no, te vas a quedar atrapado en una ilusión de movimiento que no lleva a ningún lado.

Pensar en el largo plazo

Charlie Munger lo tenía claro. Lo grande no se logra en el corto plazo. Ni el dinero, ni el aprendizaje, ni las relaciones, ni la salud.

Lo mismo pasa con la creatividad. No vas a convertirte en alguien que vive de sus ideas en dos semanas. No vas a generar un negocio sólido en un mes. No vas a convertirte en alguien reconocido en un año.

Todo toma tiempo y ¡¡¡¡aaaahhhh!!!! eso es lo que más cuesta aceptar.

Pero hay una verdad poderosa. Todo en la vida funciona con interés compuesto. Un poco hoy, un poco mañana, un poco pasado. Y un día, de repente, miras atrás y te das cuenta de que acumulaste algo gigante.

El dolor de lo pendiente

¿Sabes qué duele más que el esfuerzo? Lo pendiente.

Esa voz en tu cabeza que no se apaga. Ese recordatorio constante de que no estás haciendo lo que dijiste que ibas a hacer. Ese maldito pensamiento de “debería estar escribiendo, debería estar entrenando, debería estar avanzando”.

Yo lo viví con mi cortometraje. Pasaban (y pasan) los meses y no escribía nada. Y todos los días me levantaba con la idea persiguiéndome. Era una tortura.

Y lo peor es que tú también lo sabes. Porque seguro tienes algo ahí pendiente que te persigue. Y mientras no lo hagas, no vas a estar en paz.

El golpe final

La próxima vez que quieras abandonar porque no ves resultados, pregúntate algo simple ¿estoy esperando que la vida funcione como TikTok?

Si la respuesta es sí, despierta. La vida no es un scroll. No es inmediata. Lo que importa tarda. Lo que importa se cocina lento. Lo que importa se construye un día a la vez.

Si no aprendes a soportar esa lentitud, jamás vas a conseguir nada que valga la pena.

Hoy tienes la oportunidad de elegir. Haz lo que tienes que hacer, aunque sea poco. Aunque sea mal. Aunque no se note. Hazlo.

Porque si dejas pasar más de dos días, lo pierdes.

Te quiero mucho, muak, gracias por leerme

— Con cariño, Nathela.

A lo que voy es que no sé si has tenido esa sensación de estar viendo algo y, de repente, sentir que te está mirando de vuelta. Como si lo que sucede en la pantalla te estuviera diciendo "esto también eres tú".

Es decir, que a veces no hace falta que una historia sea sobre ti para que, de algún modo, te toque. Pues, hay mensajes que se quedan escondidos en las esquinas de una película y que solo salen a la luz cuando tú estás listo para verlos, y creo que eso fue lo que me pasó esta vez.

Justamente, en la película, Truman vive en un mundo perfecto. Las calles están limpias, la gente siempre sonríe, el cielo es de un azul impecable. La ironía (o quizá lo inquietante) es que esa perfección no es fruto del azar, sino de un control absoluto, ya que todo está pensado para que sea así.

Su vida entera es un programa de televisión, cada persona que lo rodea es un actor, y cada conversación, cada esquina, cada salida y entrada… está diseñada para encajar en un guion que él nunca escribió.

Mientras lo miraba, me di cuenta de algo que a mis doce años no había notado… o tal vez, en ese entonces, no era tan invasivo. Y es que, a veces, en redes, hacemos exactamente eso. Vivimos (y creamos) dentro de un guion que no es nuestro.

No porque alguien nos esté obligando, sino porque es tan fácil seguir el camino que parece funcionar, repetir los formatos que traen vistas, que, sin darnos cuenta, terminamos diciendo las frases de otro, usando el ángulo de otro, imitando el gesto de otro.
Y lo más inquietante, lo hacemos creyendo que es elección propia.

Me pregunté cuántas de las cosas que publico me representan de verdad y cuántas están ahí solo porque “tocaba” hacerlas. ¿Te pasa a ti también? Esa sensación de que algo se ve bien, que encaja, que suma… pero al mismo tiempo, no se siente tuyo.

No digo que inspirarse sea malo. De hecho, creo que las tendencias son como materia prima, puedes tomar la misma arcilla que todos, pero moldearla de forma única.
El problema es cuando en vez de moldear… te limitas a copiar la figura tal cual.
Cuando te importa más encajar en el molde que dejar tu huella en él.

Y es que las redes tienen una forma muy sutil de enseñarnos qué vale y qué no: números. Likes, vistas, comentarios. Es tan inmediato, tan tangible, que es fácil medir nuestro valor creativo con esas métricas, en cierto punto, yo misma lo he hecho.

Recuerdo que por el 2019, cuando creaba contenido, un video que subí hace un tiempo. Funcionó increíble, miles de vistas, muchos comentarios, mensajes privados.
Pero cuando lo vi después, sentí como un hueco en el estómago.
Porque sí, había gustado… pero también podría haberlo hecho cualquiera y eso, para mí, fue más incómodo que si hubiera tenido pocas vistas.

Ahora, luego de seis años, empecé a preguntarme, ¿Qué pesa más para mí? ¿Gustar o reconocerme en lo que hago? Y si tengo que elegir, ¿estoy dispuesta a sacrificar lo segundo por lo primero?

Entonces, a lo que voy… creo que la autenticidad no es algo que se logra una vez y ya queda intacta, como si fuera un título que puedes colgar en la pared y olvidarte de él.
Es más bien una práctica diaria, una conversación constante contigo mismo, un ejercicio de honestidad que, si dejas de hacer, se va apagando sin que te des cuenta.

Porque todos estamos expuestos a influencias, a tendencias, a la presión de encajar.
Y está bien inspirarse, está bien adaptarse… pero hay una diferencia enorme entre adaptarte y diluirte. Entre tomar algo prestado para darle tu forma y entregarte por completo a un molde que no hiciste tú.

La pregunta (esa que incomoda y que a veces evitamos) es simple pero creo que te dejará pensando, y es que ¿Esto que estoy creando soy yo, o solo estoy cumpliendo con lo que el guion dicta?

Y no siempre la respuesta es clara.
A veces el guion es cómodo, predecible, seguro.
Seguirlo significa recibir aplausos, mantener la aprobación, no arriesgar nada.
Pero la comodidad también puede ser una jaula disfrazada.

La autenticidad, creo, se alimenta de pequeñas decisiones diarias
de publicar algo que te da miedo porque es demasiado “tú”,
de dejar una tendencia pasar porque no te dice nada,
de atreverte a mostrar algo que no sabes si va a gustar, pero que sabes que te representa.

Es un músculo. Y si no lo usas, se atrofia.

Y si lo piensas, todos tenemos un poco de Truman dentro. Queremos pertenecer, queremos sentir que estamos “haciendo lo correcto”, que jugamos el mismo juego que los demás. Y eso no es malo… hasta que un día te despiertas y te das cuenta de que llevas meses, o años, creando cosas que no te emocionan.

Y aquí es donde te hablo directamente
No necesitas rechazar las tendencias para ser auténtico…
No necesitas ir contra todo ni aislarte para proteger tu voz…
Pero sí necesitas filtrarlo todo a través de ti…
Poner tu forma de decir, tu historia, tu mezcla.

Cuando pienso en The Truman Show, hay una imagen que siempre se me queda, ese preciso momento en el que él encuentra la puerta de salida.
Es pequeña, casi invisible, pero está ahí.

Y cruzarla no es solo dejar atrás un set… es aceptar que, fuera de ahí, no hay un guion escrito, que lo que viene es incierto, pero también es libre.

Tal vez, en las redes, esa puerta es la decisión de crear algo que te importe más que su rendimiento, de publicar algo que harías igual aunque nadie lo viera, de recordar que la aprobación es agradable, pero no puede ser tu único norte.

Quiero que te preguntes (de verdad, sin prisa)
¿Cuánto de lo que compartes hoy te representa?
¿Cuánto está hecho para que encaje… y cuánto para que hable de ti?

No necesitas cambiar todo de golpe, puedes empezar con una sola pieza que sea tuya de principio a fin. Una idea que te emocione lo suficiente como para no importarte si no encaja en el molde.

Porque, al final, autenticidad no es gritar “soy diferente” al mundo.
Es poder mirarte en lo que haces y decir… sí, ahí estoy yo.

Y así como Truman, quizá algún día abras tu propia puerta de salida… y descubras que la vida fuera del set puede dar más vértigo, pero también más verdad.

— Con cariño,
Nathela.

TQM GRACIAS POR ESTAR AQUÍ <3

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Y no es porque no sepas qué hay detrás. Al contrario, creo que sabes exactamente lo que hay. Probablemente, sueños que aún no te atreves a nombrar. Dudas que no se ven desde afuera, pero que por dentro… pesan. Y todo eso da miedo. Porque mirarlo de frente también significa empezar a hacer algo al respecto.

Así que, si alguna vez te sentiste culpable por no estar “aprovechando tu potencial”, tal vez esto te ayude a mirarte con más compasión (y con más verdad). Por eso, hoy quiero contarte cinco formas silenciosas en las que podemos sabotearnos sin darnos cuenta y sobre todo qué podemos hacer para empezar a salir de ahí.

1. Finges que quieres menos… cuando en realidad solo quieres poder elegir sin miedo

Tal vez no sueñas con “ser creador” como una etiqueta de Instagram. Tal vez solo quieres poder compartir lo que amas, mostrar lo que ves, crear algo que te represente… sin tener que elegir una sola cosa y casarte con ella para siempre. Pero en un mundo que exige definiciones claras y títulos concretos, sentirte multifacético puede jugar en tu contra. Porque si no encajas en una sola caja, entonces ¿qué eres?

Ese fue mi bloqueo durante años. Me gustaban muchas cosas y ninguna se sentía como “la correcta”. Diseñar, escribir, hacer arte, comunicar. Y al sentir que no podía elegir una identidad clara, empecé a callar todas. Me decía que no era tan importante, que podía dejarlas pasar. Pero por dentro sí lo era. Sí quería expresarme, sí quería compartir, solo que no sabía cómo hacerlo sin sentirme fuera de lugar o como si estuviera improvisando algo que no me pertenecía del todo.

Con el tiempo entendí que no necesito dedicarme a algo de forma exclusiva para que eso que amo sea válido. Y tú tampoco. No necesitas que algo sea tu trabajo ni tener una etiqueta profesional para mostrarlo. Puedes crear desde la complejidad, desde tu mezcla, desde eso que no siempre tiene una sola forma, pero que es profundamente tuyo. Eso también cuenta. Eso también merece espacio.

Y si estás esperando una señal, que sea esta: no necesitas tener todo resuelto para empezar, pero sí necesitas dejar de hacerte la que no quiere. Porque sí quieres. Y está bien querer. A veces, lo único que separa el “me encantaría” del “esto es parte de mi vida” es dar un paso (aunque sea chiquito) hacia eso. Nombrarlo. Admitirlo. Mostrarlo un poco. Tu potencial no está esperando a que te conviertas en otra persona, está esperando a que por fin te reconozcas en la que ya eres.

2. Te burlas de tus ideas… para protegerte del rechazo

Esto creo que es algo que me ha pasado más veces de las que me gustaría. A veces te nace una idea y lo primero que haces es soltar un chiste, una excusa, un “es una tontería igual”. Y lo haces rápido, casi sin pensarlo. Como si adelantarte a la crítica te salvara, como si hacerla pequeña antes de que alguien la vea fuera una forma de que duela menos.

Pero esa forma de protegerte también es una forma de negarte. Es como si te disculparas por tener entusiasmo. Como si disfrutar lo que se te ocurre fuera un atrevimiento que tuvieras que justificar… y cuando repites eso una y otra vez, te vas desconectando de la parte más viva y creativa de ti.

Yo lo hice mil veces. Me sentía ridícula por emocionarme con ideas que quizás no iban a ningún lado y por eso me las callaba o las disfrazaba de broma. Hasta que entendí que el problema no era la idea. Era mi necesidad de defenderla frente a una mirada que ni siquiera había llegado todavía.

Desde entonces, me permito disfrutarlas. Aunque no salgan perfectas o aunque nadie las vea. Porque si una idea vibra contigo, ya tiene valor y mereces tratarla con respeto, no con burla.

Entonces, si te cuesta comprometerte con tus ideas, tienes dos caminos:
Puedes tomártelas más livianamente, pero no desde la autocrítica, sino desde el juego. Crear sin tanta presión, solo por el placer de hacerlo.
O puedes empezar a tomártelas en serio no porque te lo exijan, sino porque lo valen, lo que me sirvió a mí, fue dejar de llamarlas “tonterías” o “solo un hobby” y empezar a reconocerlas como lo que son: tuyas.

No necesitas ganar premios ni tener miles de vistas para que lo que hagas sea real. Si lo haces, si lo sientes, si lo creas... entonces existe y si existe, merece espacio. Y si merece espacio, merece que tú también te lo creas.

3. Estás ocupado… pero no con lo que realmente te importa

Hay una trampa muy sutil que se disfraza de productividad, que es estar siempre ocupado, siempre en movimiento, con una lista interminable de cosas por hacer… pero sin tocar ni un segundo lo que realmente te importa. Vives corriendo de una tarea a otra, sintiendo que avanzas, pero si eres sincero contigo mismo, sabes que estás evitando algo.

Y ese algo es importante. Es esa idea que dejaste en borrador hace meses. Esa conversación que sabes que tienes que tener, pero sigues posponiendo. Ese proyecto que dices que quieres hacer “cuando tengas tiempo”, pero que en el fondo te da miedo empezar, porque hacerlo implicaría enfrentarte a la posibilidad de que no salga como esperas.

Y sí, es normal. Es mucho más fácil trabajar para los sueños de otros que para los propios. Lo difícil es sentarte frente a lo que te importa, mirarlo de frente y dejar de buscar excusas. Porque no hay garantía de que funcione, pero también sabes que seguir evitándolo tiene un costo, sentirte siempre ocupado, pero nunca satisfecho.

Una práctica que me ayudó mucho y que te invito a probar es esta: nuevamente haz dos listas. En una, escribe en qué estás usando tu tiempo hoy. En la otra, en qué te gustaría usarlo realmente. Y después compáralas. ¿Se parecen? ¿tienen algo en común? Si no, es momento de mover cosas, de soltar otras, de hacer lugar.

Porque seguir llenándote de pendientes que no te representan también es una forma de esconderte. Y tú no viniste a esconderte.

4. Te incomoda ver a otras personas haciendo lo que tú sueñas

A veces no es fácil de reconocer, pero pasa. Por ejemplo, ves a alguien haciendo justo eso que a ti también te gustaría estar haciendo, y lo salteas. Te dices que no te interesa, que “no es tan bueno”, que ya lo viste mil veces. Pero en realidad, duele. Porque te toca una parte sensible. Porque te recuerda que podrías estar ahí, pero no estás.

La comparación no siempre viene desde el juicio, a veces viene desde la frustración, desde las ganas contenidas. Desde ese “eso podría haber sido yo” que se te clava en el pecho mientras sigues haciendo scroll como si nada.

Yo lo sentí, muchas veces. Y me di cuenta de que esa incomodidad no es algo que haya que callar o tapar, sino mirar con más honestidad. Porque muchas veces lo que “envidiamos” en los demás es lo que todavía no nos animamos a hacer por nosotros mismos. Y la verdad, es que yo diría que esa sensación no es enemiga, es un espejo y a veces también es una brújula.

Porque no se trata de copiar lo que hace otra persona, se trata de hacer lo tuyo. De usar esa energía para moverte, para accionar, para empezar, aunque sea de a poco.

Y si necesitas una referencia más clara, haz algo que tu yo de hace un año miraría con una sonrisa, o incluso con un poco de envidia buena. Porque ese, sí, es el tipo de comparación que vale la pena, la que te impulsa en lugar de frenarte.

5. Estás esperando que alguien te dé permiso

Puede que no se diga en voz alta, pero muchas veces se espera. Una señal. Una validación. Algún tipo de aprobación externa que confirme que eso que se quiere tiene sentido, que está bien intentarlo.

Pero nadie puede dar permiso si uno mismo está escondido, nadie puede acompañar un proceso que ni siquiera ha sido nombrado. Cuando algo no se reconoce ni se declara, es imposible que el mundo lo vea.

Esa espera puede durar años. Con la esperanza de que alguien diga “dale, lo tuyo vale”. Pero si el primer reconocimiento no viene desde adentro, cualquier validación externa se vuelve insuficiente. Lo supe cuando entendí que lo que esperaba no era una señal, sino el valor de hacerme cargo de lo que quería.

Y no hace falta tener todo claro para empezar. Se puede decir “esto me importa” sin saber todavía hacia dónde va. Se puede nombrar el deseo aunque no tenga forma definida. Lo importante es hacerlo visible, al menos para uno mismo.

Porque nada puede llegar si no hay una apertura previa y créanme que a veces, el permiso más importante no se pide, se decide.

Para terminar:

No necesitas tener todo claro.
No necesitas elegir “una sola cosa”.
No necesitas cambiar tu vida entera mañana.

Lo que sí necesitas es dejar de negarte a ti misma.
Dejar de hacer como si no supieras lo que quieres. Porque sí lo sabes.
Lo que no sabes es cómo dejar de tener miedo.

Y eso, querida persona que está detrás de esta pantallita, solo se atraviesa caminando.

No en soledad, pero sí con la decisión de empezar por uno mismo.

— Con cariño, Nathela.

No algo físico, no una herramienta, ni una oportunidad. Era más bien una sensación de que no estaba lista. Como si no pudiera empezar a crear seriamente hasta tenerlo todo claro: mi propósito, mi identidad, mi dirección. ¿Quién soy? ¿Qué quiero?

Y como no tenía respuestas sólidas para esas preguntas, postergaba.

Decía cosas como:

“Cuando tenga más claro qué me gusta de verdad”

“Cuando sepa qué es lo que realmente quiero”

“Cuando deje de sentirme tan insegura”

Y así pasaron meses. Años, incluso. Años en los que trabajaba como creativa, sí, pero siempre orientada a fines comerciales, a cumplir con lo que se esperaba de mí. Creaba desde lo técnico, desde lo profesional, pero con cierta distancia interna. Cada tanto hacía algo para mí, pero siempre con culpa o con la sensación de estar improvisando a medias, como si solo fuera una “versión beta” de mí misma. Como si no pudiera reclamar con confianza mi lugar en el mundo creativo hasta haberlo entendido todo.

Pero un día algo cambió. Supe que debía empezar, aunque no me sintiera lista. No tenía claridad absoluta. Pero sí tenía algo más valioso, mis ganas. Una necesidad interna de expresarme, de compartir, de construir algo, aunque no supiera aún el nombre de eso que estaba haciendo. Empecé a soltar la necesidad de tener un plan detallado, y me permití simplemente crear. Eso fue lo que me permitió avanzar.

Ayer mientras leía Roba como un artista, leí una frase de Austin Kleon que me estremeció completamente:

Fue como si alguien hubiera puesto en palabras exactamente lo que estaba viviendo. Kleon lo explica desde su experiencia como escritor y artista. De que, si hubiera esperado tener todo resuelto internamente antes de comenzar a crear, probablemente todavía estaría esperando. En cambio, fue haciendo, creando, compartiendo, que empezó a descubrirse.

Para mí, esa frase no fue el punto de partida, fue el cierre simbólico de una etapa larga de espera y autoexigencia. Fue el cierre que no sabía que necesitaba, que me confirmó que no estaba sola en ese conflicto interno. Que muchas veces lo único que necesitamos es el permiso de comenzar, incluso en medio del caos personal.

Porque sí, puede que no tengas claro qué quieres hacer con tu vida. Puede que estés pasando por una etapa confusa en tu relación contigo mismo. Puede que no sepas cómo nombrarte todavía, ¿artista?, ¿creador?, ¿autodidacta?, ¿simplemente alguien que intenta?

Pero nada de eso te impide empezar.

Kleon no solo habla de avanzar sin certezas. También defiende la imitación como punto de partida. La copia como herramienta de descubrimiento. Lo dice claro: “Empiezas copiando lo que amas. Copia, copia, copia. Y cuando termines de copiar, te encontrarás a ti mismo”.

Y eso también lo viví. Empecé a hacer cosas sin saber si eran “mías”. Inspirándome en lo que me gustaba, en lo que admiraba. No desde la trampa del plagio, sino desde la búsqueda genuina de aprender haciendo. Y con el tiempo, algo empezó a cambiar, las cosas que hacía empezaron a tener mi voz. No porque me la propuse, sino porque estaba practicando.

Otra idea que me ayudó fue esa reinterpretación del famoso “fake it till you make it”. No fingir como en mentir, sino asumir el rol que deseas explorar hasta que empiece a sentirse natural. Actuar como artista antes de sentirte como una. Vestirte como creadora, sentarte a escribir como escritora, hablar como alguien que ya hace lo que quiere hacer. Porque a veces el cuerpo tiene que actuar antes de que la mente se lo crea.

Pero créanme que, al principio se sentía raro, casi como un disfraz que me estaba quedando grande. Pero con el tiempo, dejé de sentir que estaba fingiendo, y empecé a sentir que estaba encarnando algo que ya vivía en mí, aunque todavía no supiera nombrarlo del todo. Fue sutil, como cuando dejas de esforzarte por encajar en un molde, y de pronto te das cuenta de que estás habitando tu propio espacio. Crear desde ahí, se convirtió en una forma de afirmación silenciosa. No necesitaba demostrarle nada a nadie. Solo sostener el acto de seguir creando.

Hoy sigo sin tener todas las respuestas. A veces me levanto sin saber muy bien hacia dónde voy. Pero he entendido que eso no me invalida. Que hacer cosas sin saber quién soy no me hace menos auténtica. Me hace humana. Y que en ese hacer continuo, en esa práctica sostenida, es donde poco a poco se revela el camino.

Así que si estás en ese lugar de espera, en ese “limbo” donde sientes que aún no te has definido lo suficiente como para empezar…

No esperes más.

Hazlo desde la duda. Hazlo desde la confusión. Hazlo desde el deseo de moverte, aunque sea sin un plan.

Porque muchas veces no se trata de encontrarte para empezar.

Se trata de empezar… para encontrarte.

AAAAAAAAAA, ha sido liberador escribir esto :)

— Con cariño, Nathela.

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Lo raro es que no fue de un día para otro, ni por algo concreto. No hubo drama, ni lágrimas, ni un “punto de quiebre”. Solo noté que ya no esperaba con ansias lo que antes me emocionaba. Que posponía cosas que solía hacer con gusto. Que ya no me nacía crear, leer, escribir, compartir. Y eso, la verdad, me asustó un poco.

Pensé que tal vez me había equivocado de camino, que si me estaba cansando tanto, era porque talvez no era para mí. Me enredé en esa idea de que si algo te apasiona, no debería costarte tanto. Como si amar algo te hiciera inmune al agotamiento.

Pero no.
A veces no es que dejaste de amar lo que haces.
A veces solo estás exhausto.

Mental, emocional, físicamente.

(Y permítime hacer un pequeño paréntesis: cuando hablo de burnout, no me refiero solo a estar cansada o desmotivada un día. Me refiero al síndrome de agotamiento profesional, ese desgaste profundo, físico, emocional y mental que aparece después de un tiempo prolongado de presión, exigencias y estrés. Es algo serio. Y sí, es más común de lo que creemos)

El 60% de los creativos ha sufrido burnout en algún momento. Y si tú eres parte del otro 40%, no siempre significa estar bien, a veces solo significa que aún no tocaste fondo.

Y no, no siempre te das cuenta. A veces sigues funcionando, cumpliendo, tachando cosas de la lista de pendientes diarios. Pero por dentro algo empieza a desconectarse. Ya no te emociona compartir, ni crear, ni siquiera imaginar. Te sientes estancado, pero no sabes por qué y solo pierdes la chispa sin darte cuenta.

Aparece cuando lo que amabas se vuelve presión.
Cuando la creatividad se siente como una deuda.
Cuando lo que un día fue vocación empieza a pesarte como una carga.

Y el problema es que muchas veces seguimos sin cuestionarlo. Seguimos funcionando, como si el hecho de seguir produciendo fuera prueba suficiente de que “estamos bien”, pero no lo estamos (y lo sabemos). Lo sabemos cuando nos cuesta empezar. Cuando nos juzgamos por no sentirnos motivados. Cuando ya no estamos ahí, ni siquiera cuando estamos.

Me he dado cuenta que, vivimos en una época que romantiza la pasión como motor, pero que no habla del precio que a veces pagamos por sostenerla. Nos enseñaron que si haces lo que amas, no sentirás que trabajas. Pero nadie nos advirtió que incluso lo que amamos puede desgastarnos si no aprendemos a cuidarnos en el camino.

Y ahí es cuando todo empieza a doler. Pero ojo, recuerda esto:

No es desinterés, es saturación.
No es falta de talento, es falta de espacio.
No es que elegiste mal, es que estás intentando funcionar sin descansar.

El burnout no siempre se anuncia con gritos. A veces llega en forma de susurros: “esto no es suficiente”, “no puedes parar ahora”, “mejor responde ese mensaje aunque sean las once de la noche”. Y lo haces. Porque no quieres decepcionar, porque quieres hacerlo bien, porque confundes compromiso con sacrificio.

No por lo que haces, sino por cómo te lo estás exigiendo. No porque ya no lo ames, sino porque te olvidaste de escucharte, porque confundiste compromiso con autoabandono, porque te enseñaron a rendir, y no a sostenerte.

Algo que he aprendido a la mala, es que descansar también es parte del proceso. Pausar no es rendirse. Apagar el archivo no es fracasar. No responder ese correo hoy no significa que seas irresponsable. Solo eres humana ¡¿Por qué es tan difícil entender eso?! No eres menos profesional por ponerle horarios a tus respuestas. No eres menos talentoso por necesitar dormir más. No eres menos creativo por no estar produciendo todo el tiempo.

Y no saben lo difícil que fue para mí darme cuenta de esto. Hasta llegué a pensar que ya no me conocía, simplemente porque ya no tenía ganas, porque hacía las cosas sin pasión. Y dios, qué complicado fue. Qué angustiante es sentir que te estás alejando de algo que fue parte de tu identidad durante tanto tiempo. A veces pensamos que si ya no lo disfrutamos como antes, es porque cambiamos demasiado, pero no siempre es así. A veces, solo estamos saturados, exigidos, quemados.

A veces, solo necesitamos dejar de medirnos por lo que producimos, volver al modo “ser” antes que al modo “hacer”. Reconocer que no todo lo que sentimos tiene que transformarse en contenido. Que no todo lo que creamos tiene que ser útil o perfecto.

Cuidarte también es crear. Cuidarte es respetar tus tiempos, tus pausas, tus silencios. Es permitirte aburrirte. Respirar. Mirar el techo sin sentir que estás perdiendo tiempo. Es no responder ese correo hoy. Es quedarte en cama sin justificarte. Es decir “no puedo” sin culpa.

Porque si no te cuidas, vas a terminar quemándote por lo que amas. Y eso duele el doble, créeme…

Así que, esto no es una guía. No es una receta para evitar el agotamiento. Es solo un recordatorio de algo simple, pero que solemos olvidar: no puedes dar lo mejor de ti si estás vacío. Y no puedes sostener lo que creaste si tú mismo estás cayendo.

No se trata de rendirse, se trata de detenerse. De volver a ti antes de que te pierdas en el camino.

Así que si hoy estás cansado, permítete ser humano antes que funcional.
Permítete no tener ideas.
Permítete cerrar el archivo sin culpa.
Permítete no responder ese correo hoy.

Porque cuidar tu chispa también es parte de proteger tu fuego.
Y tú mereces disfrutar lo que amas, sin quemarte en el intento.

Nos leemos pronto.
Con menos prisa, con más ternura.
Siempre a tiempo.

— Con cariño, Nathela.

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El fracaso duele.
Hiere el ego, debilita la confianza y nos deja en una posición incómoda de vulnerabilidad. No importa cuán racionalmente lo aceptemos como parte del camino porque emocionalmente, seguimos resistiéndolo.
Mientras escribo esto, me pregunto: ¿y si este mismo texto fracasa? ¿y si lo que estoy intentando construir no resulta como espero? ¿y si simplemente no soy lo suficientemente buena en esto?

Pensamientos como estos a menudo recorren mi mente y se adhieren a mí como insectos que chocan contra el parabrisas y quedan atrapados allí, obstruyendo la visión y siendo simplemente inquietantes.

Hace poco encontré una cita en el libro Crea de Tony Fadell, que me ayudó a repensar todo esto:

Asume que durante gran parte de tus veintes tus decisiones no funcionarán y que las empresas a las que te unas o que fundas probablemente fracasen. La adultez temprana se trata de ver cómo tus sueños se desvanecen y aprender todo lo posible de las cenizas.

Esa frase me dio un golpe directo. ¿Es ese el propósito de mis veintes? ¿ver cómo mis ideas se desmoronan mientras trato de rescatar lo que queda de mi motivación?

Tal vez sí. Tal vez no todo tiene que salir bien a la primera. Tal vez fracasar no es desviarse del camino, sino parte del camino.

Creo que lo que más nos frena no es el fracaso en sí, sino la narrativa que construimos alrededor de él, lo que constantemente nos han hecho creer, de que si fracasas, no sirves. Que si algo no resulta, entonces no estás hecha para eso. Que si fallas, lo mejor es cambiar de rumbo.
Pero ¿y si simplemente lo intentamos sabiendo que el fracaso es una posibilidad real? ¿Y si lo normalizamos como parte del proceso de aprender, crear y crecer?

Tony Fadell también dijo que intentó construir el iPhone dos veces. Todo el mundo conoce la segunda vez, la del éxito, pero casi nadie sabe de la primera.
Y eso pasa con la mayoría de procesos creativos. Vemos el resultado final, el producto pulido, pero no las versiones fallidas, las ideas descartadas, los intentos que no llegaron a publicarse.

En creatividad (y en la vida en general), no se trata solo de tener buenas ideas, sino de tener el coraje de sostenerlas incluso cuando parecen tambalearse.

Estoy aprendiendo que no se puede construir nada valioso sin arriesgarse a fracasar. Y que, cuando las cosas no salen, no es señal de que debamos abandonar, sino de que tenemos algo que aprender ahí.

Entonces, para mí, la creatividad funciona como un músculo, es decir… si no lo llevas al límite, no crece.
Y para eso hay que intentarlo. Fallar. Repetir.
Lo demás, con el tiempo, viene solo .

— Con cariño, Nathela.

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No sé cuándo pasó exactamente. No hubo un anuncio, ni un gran cambio en nuestro alrededor. Solo sé que, en algún punto, dejamos de mirar por la ventana para mirar hacia una pantalla. No lo hicimos a la fuerza. Nadie nos obligó. Simplemente… aceptamos.

Hicimos clic, como quien dice "sí" sin leer el contrato. Como cuando uno entra a un lugar porque todos están ahí.

No entregamos un dato.

Entregamos tiempo.

Atención.

Pedacitos de presencia que no recuperamos.

Y es que no es solo tecnología, es (considero yo) otra forma de vivir. Una forma donde se espera que siempre estés, que respondas, que opines, que muestres. Donde si no estás presente, estás ausente del todo.

Se le conoce como tecnofeudalismo.
Una palabra compleja para algo que sentimos cada día sin nombrarlo. Byung-Chul Han lo explica como un régimen nuevo, donde no somos ciudadanos, sino usuarios.

Ya no trabajamos por un salario, sino que producimos datos, ya no se nos domina con la fuerza, sino con la interfaz y el control ya no tiene la forma de un castigo, sino de un diseño atractivo.

No hay látigos, hay notificaciones.

No hay órdenes, hay algoritmos.

Y no hay obediencia forzada, hay participación constante.

Nos conectamos por voluntad, pero rara vez elegimos desconectarnos. El sistema no impone cadenas, simplemente hace que nos parezca natural no soltarlas.

A veces creo que la libertad se transformó en una especie de jaula transparente.
Podemos movernos, sí. Pero solo dentro del espacio que ya fue diseñado para nosotros.

La jaula tiene buena señal.
Y por eso, no se nota.

II. La intimidad no es contenido

Antes me pasaba que tenía ganas de guardar algo solo para mí… y me costaba. Sentía el impulso automático de compartir, como si el silencio perdiera valor si nadie lo presencia.

Antes, la intimidad tenía que ver con lo sagrado. Con lo que no se mostraba. Hoy, la intimidad parece solo un tipo de contenido que se monetiza mejor. Publicamos nuestras dudas, nuestras heridas, nuestras fiestas, nuestros vacíos. No para procesarlos, sino para confirmar que están ahí. Para que otros los validen.

El algoritmo no solo premia la visibilidad, la exige.
Nos empuja a convertir cada momento en una entrega de opinión, de imagen, de emoción.
Lo privado se vuelve insumo.
Lo íntimo, estrategia.
Y lo que antes era (para muchos de nosotros) una especie de refugio, ahora es exposición constante.

No digo que esté mal. Solo que me preocupa que no sepamos guardar nada.
Que no recordemos cómo era vivir sin dejar registro.

No todo tiene que verse.
No todo debe compartirse.

Siento que algo se rompe cuando todo se mide
Incluso el amor, ¿cuántos mensajes? ¿cuántos likes?
Incluso el pensamiento, ¿cuántas vistas tiene tu opinión?

III. Resistir es un gesto pequeño

No creo en soluciones grandiosas. No me interesa idealizar un mundo sin tecnología. Lo que me importa es esto ¿qué pasa con lo humano cuando todo se vuelve cuantificable? es decir, ¿qué queda del alma, si solo se le permite ser visible a través de un filtro?

No tengo respuestas. Pero empiezo a ver que hay resistencia en los gestos más simples.
En desconectarse un domingo.
En cocinar algo y no tomarle foto.

La resistencia no es desconectarse del todo.
Es volver a elegir.

Tal vez no se trate de renunciar al mundo digital, sino de recordarnos que no todo debe vivirse a través de él.

A veces, el alma solo necesita silencio.
Y un poco de espacio sin señal.

No toda red atrapa. Algunas sostienen.
Y en ese tipo de red (la que no te mide, no te exige, no te compara)
tal vez ahí, aunque sea en voz baja,
todavía podemos ser libres.

— Con cariño, Nathela.

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